摄影家和画家是怎样养成独特的审美观念的？有什么窍门可以借鉴？

其实，摄影和绘画之美，属于视觉美艺术的一种，存在于二维平面上的一种“静态画面”展示出来，二者有很多相似之处。

业内有不少人，将此二者的区别最小化精简描述为“摄影是做减法的艺术，而绘画是做加法的艺术”。

摄影的画面是现有现实中客观存在于镜头中的场景，而摄影师要做的事，有个关键点便是，如何从繁杂多样的实际景物中，抉择出最具有美感预期的元素收入镜头的同时，尽量剔除无关或者不利的东西。

绘画则相反，是一种从一张空白的纸张开始，依据创作者自己的审美眼光，一点点将自己认为美的元素添加上去。

这便是前面所说的，同样是“展现美”，一个是减法，一个是加法。

（↑本人拍摄后制造成国画效果的照片↑）

摄影与绘画，在这种“发现美”的过程中，参考的标准便有诸多共同之处。从美学专业理论角度来说，是一致的，构图、色彩、环境、主题，都包罗于其中。

于是便有了答案，在创作美、发现美的能力上，学习与实践，便为不二之法门。

无论绘画还是摄影，一些美学的基础知识储备，是必不可少的。

这些知识，都是历来从事这些具体事务的先人们，多少代积攒下来的“黄金知识点精华”，快速掌握这些可以让我们少走很多弯路。

举个简单的例子，比如构图中 的黄金分割比以及斐波那契曲线，

当这种存在于人类通用思维的视觉特征被挖掘出来之后，后人直接去套用，便会极大程度少走很多弯路了。

如此类似的还有色彩（搭配）学，环境气氛等，都是需要系统性学习的部分。

尽管理论不是教条的必需品，但却是可以令人少走弯路，不如正规殿堂的妙药！

摄影和绘画，都是这个道理。

多按快门多拍照片，之后再在电脑上逐张审视自己每次拍摄照片的优缺点，这种过程是必须的。直到将自己的“摄影黄金眼”训练成功之后，可以快速在一堆平凡的物体景象中，快速捕获到能够体现出艺术味的结构。

有些摄影人，将这个过程简单概括为“使劲多按快门→不需要按多少次”的哗变。当你实现这种转变之后，几乎就已经超过周围大多数人了。

绘画也需要同样的历程。每一种技法的历史、知识、人文环境，同样需要大量的实战练习，才可以完成系统性的技巧掌握和文化精髓领悟。

废纸三千，说得是写字，绘画之人，同样是这样的。

我想，这大概也就暗合了为什么有那么多艺术家们愿意不辞劳苦去民俗区、荒芜地、农村、大山……采风写生的道理吧。

总而言之，在艺术探索的道路上，几乎没有偷懒的捷径，尤其是绘画，大量的练习更是显得重要。

理论走在前面可以让人少走弯路，实践跟上理论则是技巧的训练、艺术的基础搭建；

但遵循理论的背后，更需要自己“个性而智慧的大脑”善于从变幻万千的自然元素中发现抽取出自己中意的元素，这样才不会长时间走在大家口中所说的“大妈式摄影、口令摄影”之路上。